7 женщин-художников, покоривших живописный Эверест

Фрида Кало с фигуркой альмеков

Так уж сложилось, что всегда жизнь, социальная, политическая и творческая, отдавала главные роли мужчинам.

Но я уверена, что незаурядных, особенных женщин было никак не меньше. Просто слишком долго их прятали за широкие мужские спины.

История искусства не исключение. В ней каждая женщина, которая смогла занять место в тесном мужском ряду, просто бесценна.

Вот они – 7 женщин-творцов, покоривших живописный Эверест.

1. Артемизия Джентилески (1593-1653 гг.)

Артемизия Джентилески
Артемизия Джентилески. Автопортрет. 1615 г. Частная коллекция

Среди детей тосканского художника Орацио Джентилески талантливее всех оказалась его дочь Артемизия.  

Уже в девичестве она стала писать удивительные картины. Настолько профессиональные, что несколько веков их приписывали отцу девушки, самому Орацио.

У Артемизии была насыщенная жизнь.

Она была … придворным художником! Дружила с Галилеем, Ван Дейком. И была тогда единственной женщиной, принятой в художественную академию Флоренции.  

Одной из самых ярких работ Артемизии является картина «Юдифь, обезглавливающая Олоферна». 

Артемизия Джентилески. Юдифь, обезглавливающая Олоферна
Артемизия Джентилески. Юдифь, обезглавливающая Олоферна. 1612 г. Национальный музей Каподимонте, Неаполь

Сколько же ненависти в полузакрытых глазах героини. Её рука тверда: как будто это НЕ первый опыт.

У того же Караваджо Юдифь более брезглива и растерянна, что кажется естественнее.

«Юдифь» Джентилески и Караваджо
Юдифь, обезглавливающая Олоферна. Слева: Артемизия Джентилески. 1612 г. Справа: Караваджо. 1599 г.

Но такая безжалостность у героини Артемизии не случайна.

Картина написана после громкого судебного разбирательства. Юную художницу изнасиловал художник Агостино Тасси, ученик ее отца.

Артемизии пришлось пережить травлю и позорное для того времени гинекологическое обследование, прежде чем суд признал Тасси виновным.

Так что Артемизия явно вложила в образ Юдифи свои личные страдания. Считается, что Олоферна художница писала со своего обидчика.

Ещё одним символом непокорности тирании является ее «Лукреция».

Артемизия Джентилески. Лукреция
Артемизия Джентилески. Лукреция. 1621 г. Дворец Катанео-Адорно, Генуя 

У Джентилески она не стенает, не жалуется, а принимает отчаянное и страшное решение – лишить себя жизни.

Ее изнасиловал царский сын. И она заколола себя на глазах мужа, так как не могла стерпеть позора.

Лукрецию художница писала с себя. В то время женщине было немыслимо нанимать натурщиц. Поэтому перед нами – обычная женщина крепкого телосложения.

Этим она сильно отличается от красоток других мастеров 16-17 веков. Сравните хотя бы с Лукрецией Тициана.

«Лукреция» Джентилески и Тициана
Слева: Артемизия Джентилески. Лукреция. 1621 г. Дворец Катанео-Адорно, Генуа. Справа: Лукреция и Тарквиний. 1515 г. Музей истории искусств, Вена

В то время, когда творила Артемизия, женщинам доверяли разве что натюрморты и пейзажи. А она бралась за библейские сюжеты! И даже смогла добиться заказа на роспись церкви.

Несмотря на все достижения при жизни, после смерти она была забыта… Артемизию вспомнили и оценили только в 20 веке.

2. Клара Петерс (1594-1657 гг.)

Клара Петерс автопортрет
Клара Петерс. Суета сует (автопортрет). 1620. Частная коллекция

О нидерландке Кларе Петерс мы знаем очень мало. Даже даты ее жизни спорны. А многие работы были ошибочно приписаны другим малым голландцам. Словно и не было такой художницы…

Это можно объяснить. Женщине, даже очень талантливой, было легко затеряться среди многочисленных художников. В 17 веке в Голландии творили 6000 мастеров! 

Но не была бы она женщиной, если бы не придумала одну хитрость.

На одной своей картине она изобразила себя (смотрите первую картину). Хотя жанр натюрморта этого не позволял.

Портретист из неё был неважный, но зато она смогла увековечить свой облик. А ещё она иногда «выбивала» своё имя на ножах, изображённых на картинах.

Клара Петерс. Накрытый стол (деталь)
Клара Петерс. Накрытый стол (деталь). 1615 г. Прадо, Мадрид

Клара писала завтраки и сервированные столы. Прекрасный тому пример – «Натюрморт  с цветами и золотым бокалом».

Клара петерс натюрморт
Клара Петерс. Натюрморт с цветами и золотым бокалом. 1611 г. Музей Прадо, Мадрид

Гиперреалистичность и сочетание цветов просто поражают!

Давайте сравним ее работу с картиной современника, замечательного художника Яна Хема.

Сравнение натюрмортов Петерс и Хема
Слева: Клара Петерс. Натюрморт с золотым бокалом. Справа: Ян Давидс Хем. Стол. Первая половина 17 века. Музей Прадо, Мадрид

Обратите внимание, насколько чувствуется женская рука! На столе Клары гораздо больше порядка, даже чересчур. Золотой бокал стоит точно по центру. И четкость рисунка выше, чем у Хема.

У последнего все-таки воздуха в картине побольше. Но все равно очевидно, что школа у Клары была очень серьёзная. 

Над «Натюрмортом со свечой, бокалом и кубком» искусствоведы до сих пор ломают головы.

Петерс Аллегория свадьбы
Клара Петерс. Аллегория свадьбы. 1607 г. Частная коллекция

Кто-то видит в нем собрание мрачных аллегорий. Муха – символ смерти. Свеча – быстротечности времени, кольцо – бренности бытия.

А кто-то говорит, что работа, наоборот, запечатлела счастливое событие – бракосочетание художницы. Поэтому иногда картину называют «Аллегорией свадьбы».

Так что Клара угодила всем: и пессимистам, и оптимистам :)

Сегодня работы Петерс выставляются в самых известных музеях мира. В 2017 году, например, музей Прадо устроил выставку ее работ.

Но ее имя все равно НЕ на слуху: оно известно лишь настоящим ценителям голландского натюрморта. Петерс стала ещё одной несправедливо упущенной из виду женщиной-художником.

3. Элизабет Виже-Лебрен (1755-1842 гг.)

Автопортрет Виже-Лебрен
Элизабет Виже-Лебрен. Автопортрет. 1790 г. Галерея Уффици, Флоренция

Свои первые заказы Элизабет Виже-Либрен стала получать … в 15 лет! Впрочем, частенько портреты заказывали поклонники. Они искали повод познакомиться с прехорошенькой художницей :).

Элизабет с раннего детства была окружена неординарными людьми. Отец был художником, брат – писателем. В доме частыми гостями были Дидро, Вольтер. Да и в мужья девушка выбрала художника и торговца живописью.

Элизабет творила в эпоху рококо, самую женственную пору в истории живописи. В это время дам изображали гораздо чаще мужчин. И художник женского пола тоже не вызывал отторжения.

Поэтому Элизабет могла трудиться, рассчитывая на признание. Сосредоточившись на жанре портрета, она очень быстро прославилась. Ей покровительствовала Мария-Антуанетта и другие аристократы. 

В чем же был секрет ее славы? Взглянем на портрет «Мария-Антуанетта и её дети».  

Виже-Лебрен Мария-Антуанетта с детьми
Элизабет Виже-Лебрен. Мария-Антуанетта с детьми. 1787 г. Версальский дворец

Это прекрасный пример портрета-комплимента – главного жанра, в котором работала художница.

Элизабет знала, как писать своих заказчиц истинными красавицами. Вот и королева Франции белокожа и розовощека.

Но затем грянула революция. Портреты-комплименты во Франции стали никому не нужны. И Виже-Лебрен поехала покорять Россию.

Здесь она создала ряд портретов выдающихся личностей, например, Станислава Понятовского и графини Строгановой. И даже написала портрет принцесс.

Виже-Лебрен портрет дочерей Павла 1
Элизабет Виже-Лебрен. Портрет дочерей Павла 1. 1797 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург

Дочери Павла I вышли идеальными. Да и с нарядами художница расстаралась. Элизабет была большой модницей и «наряжала» моделей по своему вкусу.

То есть на самом деле у девочек не было таких платьев: их выдумала мадам Лебрен. В наше время она непременно стала бы модельером :).

Заказчики были довольны. Какой же женщине не понравится увидеть себя идеальной! Да ещё в прекрасном платье с изящно рассеянными по нему солнечными бликами.

Хотя нет, одному человеку Элизабет все же не угодила. Екатерине II. Как раз умение живописно льстить очень не нравилось ее Величеству. Поэтому художнице так и не удалось написать портрет императрицы. Хотя, конечно, хотелось.

Сегодня мы вполне можем понять Екатерину II. Работы художницы и правда однотипны. Ведь она всех подгоняла под стандарты красоты той эпохи. Сейчас красотки с пухлыми губами пресловутой уточкой так же похожи друг на друга.

Но у Лебрен есть оправдание. Она была типичным представителем эпохи рококо. Эпохи торжества красоты, легкости и праздности. 

PS. Вы можете проверить свои знания, пройдя онлайн-тест «Насколько Вы разбираетесь в живописи?»

4. Мэри Кассат (1844-1926 гг.)

Автопортрет Мэри Кассат
Мэри Стивенсон Кассат. Автопортрет. 1878 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Какие перспективы открывает жизнь, когда родители – миллионеры!

Но своевольная американка Мэри Кассат шла своим путём. Она посвятила жизнь живописи, к великому неодобрению богатых родителей.

Художница радикально изменила образ ребенка в искусстве. Посмотрите на ее «Маленькую девочку в голубом кресле».

Кассат Девочка в голубом кресле
Мэри Кассат. Маленькая девочка на голубом кресле. 1878 г. Национальная галерея Вашингтона, США

До Кассат детей было принято рисовать ангелочками. Умилительная серьезность, аккуратные наряды.

Художница же изобразила обычную девочку-непоседу. Платье её задралось, обнажив коленки. Поза говорит об усталости, а на лице написана раздражённость.

Картины Кассат очень разные. Например, работа «В омнибусе» ничем не напоминает «Девочку в голубом кресле».

Кассат в омнибусе
Мэри Кассат. В омнибусе. 1897 г. Чикагский институт искусств

Художница была свободолюбивой натурой. Поэтому в её творчестве можно найти и работы в духе импрессионистов, и реалистичные полотна, и графические рисунки.

«В омнибусе» – это как раз рисунок. Простые линии рождают выразительные образы двух женщин с младенцем. Эта работа создана, конечно, под влиянием японских гравюр.

Чаще всего Кассат писала матерей с детьми. Сама она отказалась и от замужества, и от материнства ради живописи.

Увы, в 19 веке женщине приходилось выбирать. Лишь вынужденное монашество открыло Кассат дорогу в искусство. 

Работы Кассат
Работы Мэри Кассат. Слева: Мать и дитя. 1913 г. Справа: Мадам Лефевр держит ребёнка. 1903 г.

Но ее матери часто … грустят. И здесь мы можем только гадать, почему.

То ли это грусть самой Мэри по несостоявшейся роли матери. То ли художница изображала состояние многих женщин: неудовлетворенность из-за невозможности заниматься чем-то еще, кроме «женских дел».

Мэри думала, что нашла выход. Но, судя по этим грустным глазам, полноценного счастья ей это не принесло.

Читайте также о современнице Кассат в статье «Берта Моризо: жертва предрассудков или хозяйка своей судьбы?»

5. Наталья Гончарова (1881-1962 гг.)

Автопортрет Гончаровой
Наталья Гончарова. Автопортрет. 1907 г. Третьяковская галерея, Москва

Наталье Гончаровой выпал век «измов», когда то и дело появлялись новые течения. Экспрессионизм, футуризм, кубизм – в каждом из них Гончарова успела поработать, начав с импрессионизма.

Поэтому, изучая ее творчество, будто смотришь ретроспективу авангарда в России. Наталья сама называла это «всечеством». Так она признавалась, что не готова работать только в одном стиле. Слишком многое ей хотелось попробовать.

В этом она была похожа на художника-хамелеона Пабло Пикассо. Друг у друга они тоже перенимали техники и стили :).

Истинными шедеврами Гончаровой признаны работы в стилистике иконописи и народного лубка. Например, знаменитый цикл «Евангелисты».

Гончарова Евангелисты
Наталья Гончарова. Евангелисты. 1911 г. Русский музей, Санкт-Петербург

На каждой картине изображён святой. Цикл объединяют лейтмотивные элементы – выражения лиц, свитки, положение рук. Задумчивые святые ставят важные вопросы перед собой. Но пока они не способны их решить, поэтому их свитки пусты.

Такое изображение, конечно же, не одобрялось служителями церкви. Но Наталья была слишком смелой, чтобы останавливаться в своих экспериментах.

А экспериментировала Гончарова очень активно. Так и появилась «Голубая корова», покрытая шипами, свободно парящая в воздухе.

Гончарова голубая корова
Наталья Гончарова. Голубая корова. 1913 г. Альбертина, Вена

По этой работе сразу видно, что Гончарова была отличным колористом. Именно с цветом она работала смелее всего. Поэтому не удивительно, что Сергей Дягилев пригласил ее стать оформителем «Русского балета».

Правда ему пришлось просить об этом буквально 50 раз! Именно такое количество телеграмм с просьбой приехать к нему в Париж он выслал художнице.

И только на 51-й раз она согласилась: Дягилев догадался пригласить ещё и ее супруга, художника Михаила Ларионова.

С тех пор Гончарова освоила разнообразные техники. И оставила невероятно богатое наследство: тысячи картин, театральные декорации, иллюстрации книг и модные эскизы.

Читайте также о современнице Гончаровой в статье «Зинаида Серебрякова: жизнь в 7 картинах».

Джорджия О’Кифф (1887-1986 гг.)

Джорджиа О’Кифф
Джорджиа О’Кифф. Фото Тони Ваккаро

Удивительная фигура модернизма – художница Джорджия О’Кифф. Она всегда творила на грани, умело балансируя между искусством предметным и абстрактным, чётким рисунком и цветовыми пятнами вне фокуса.

Главным героем её произведений была природа. Но художница выбирала очень неординарные ракурсы и предметы. То цветок очень крупным планом. То … череп животного. 

Познакомимся сначала с картиной «Ирис».

О’Кифф Ирис
Джорджиа О’Кифф. Ирис. 1924 г. Частная коллекция

Цветок, конечно, узнаваем. Но по сути это абстракция и вольная работа художника с цветом и формой.

О’Кифф, как истинная женщина, пошла на такую уловку. Публика в начале 20 века ещё негативно относилась к чистым абстракциям. И это объяснимо. Наш мозг так устроен, что во всем ищет узнаваемые образы. 

Джорджия облегчает зрителю путь к наслаждению своими работами. Она обозначает образ – наш мозг его сразу узнает. И, расслабляясь, уже получает удовольствие от сочетания цветов.

Но в ее «Ирисах» есть еще кое-что необычное. Эти безобидные цветы явно намекают на женскую сексуальность. Хотя сама художница всегда удивлялась такой интерпретации, говоря, что это всего лишь цветы.

Будем считать, что О’Кифф неосознанно, но свободно выражала себя. А женщиной она была в плане сексуальности весьма неординарной.

Известны факты о ее бисексуальности. А после смерти своего супруга, известного фотографа Альфреда Стиглица, 62-летняя Джорджия закрутила роман с 30-летним молодым человеком.

А теперь посмотрим на ее «Череп оленя».

О’Кифф Череп оленя
Джорджиа О’Кифф. Череп оленя. 1936 г. Музей изящных искусств, Чикаго

Мы видим череп животного на фоне пустынного дикого пейзажа. Сочетание образов смерти (череп) и вечности (горы) действует магически, согласитесь.

Кажется, что О’Кифф совсем отказалась от полуабстракций. На самом деле череп и очертание горы – это тоже лишь повод поэкспериментировать с цветом и формой.

Но образы опять же узнаваемы: они помогают зрителю «войти» в произведение и отдаться эмоциям.

Поступки мадам О’Кифф были такими же необычными, как и ее работы. Например, она была богата, но очень скупа. Сама пекла хлеб, чтобы не тратить деньги. Имея два мерседеса, никогда не ездила на них.

Эта удивительная дама всегда говорила, что знает, чего хочет, пускай её мотивы и не понятны остальным. В конце концов, гениальность часто граничит с «сумасшедшинкой».

7. Фрида Кало (1907-1954 гг.)

Фрида Кало с фигуркой ольмеков
Фрида Кало с фигуркой ольмеков. 1939 г. Фото Николаса Мурая

Что приходит в голову при упоминании имени Фриды Кало?

Темпераментная натура, брак с художником Диего Ривера, тяжёлая авария, сквернословие и, конечно, знаменитая монобровь…

За интересной биографией порой теряется само творчество. Но только не у Фриды. Ее картины столь же яркие и неповторимые, как она сама.

Больше всего Кало прославилась автопортретами. Причём почти всегда они были отражением её внутренних переживаний.

Картина «Диего и Я» – не исключение.

 Диего и я Фрида Кало
Фрида Кало. Диего и я. 1949 г. Частная коллекция

Фрида считала, что знакомство с Диего было одним из двух несчастий ее жизни. Он всегда был в её мыслях. Поэтому частые измены мужа были для неё крайне болезненными. Оттого мы и видим слёзы на глазах.

Вторым несчастьем Кало считала аварию, в которую попала. Она получила очень тяжёлые травмы: автобус, в котором ехала девушка, врезался в трамвай.

Она долго восстанавливалась после этого. Но до конца здоровье так и не вернулось. Она всю жизнь мучилась от постоянных болей, а ещё так и не смогла стать матерью.

Для Кало рисование было арт-терапией. Поэтому ее тело на полотнах то утыкано гвоздями, то покрыто алыми шрамами. Боль настоящая перерождалась в символы боли на картинах.

«Сломанная колонна» – тоже психотерапевтическая для Фриды работа.

В 1940-х ее ждало еще одно серьезное испытание. Когда-то сломанный в нескольких местах позвоночник не выдерживал нагрузок.

Врачи заставили Фриду носить полгода (!) стальной корсет. Это было невообразимо сложно и мучительно.

Кало Сломанная колонна
Фрида Кало. Сломанная колонна. 1944 г. Музей Долорес Патиньо в Мехико

И вот Фрида рисует свой больной позвоночник в виде разрушающейся древнеримской колонны. В собранном состоянии ее удерживает только пресловутый стальной корсет. 

Фриду не интересовало, что от женщины ждали эстетичной живописи. Для неё это была возможность хоть как-то ужиться со своей болью и предчувствием смерти.

В результате Кало выработала уникальный стиль. Что-то среднее между сюрреализмом и фолк-артом. Она стала художником, чью кисть узнают сразу, даже без базовых знаний живописи.

В заключение

Такие разные, удивительные, неповторимые женщины-творцы стали яркими символами своих эпох:

Артемизия Джентилески – это барокко 17 века;

Клара Петерс – натурализм малых голландцев того же 17 века;

Элизабет Виже-Лебрен – рококо 18 века;

Мэри Кассат – импрессионизм 19 века;

Наталья Гончарова – русский авангард 20 века;

Джорджия О’Кифф – модернизм 20 века;

Фрида Кало – сюрреализм того же 20 века. 

Не все имена, к сожалению, у любителей живописи на слуху. Но сейчас мы постепенно вспоминаем их. Ведь они покорили-таки живописный Эверест.

Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.

PS. Вы можете проверить свои знания, пройдя онлайн-тест «Насколько Вы разбираетесь в живописи?»

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Оксана Копенкина / автор статьи
Комментарии4
  1. Ильшат

    Оксана, как всегда потрясающе. Спасибо большое и за интересную информацию, и за подаренное удовольствие. О некоторых даже и не слышал.
    Оксана, еще вопрос. Этот так называемый “рейтинг” он только Ваш или не только. Понятно, что нельзя объять невозможное, просто интересно узнать еще и о тех достойных, кто в этот список не попал. Чем вы руководствовались, только симпатией или еще чем-то…

    Еще раз спасибо за ваши интереснейшие статьи (постоянное ощущение, что Вы еще многое и многое не досказываете: то ли из-за формата, то ли нехватка времени….но все-равно постоянно удивляюсь, как много вы успеваете….)

    1. Оксана Копенкина (автор)

      Ильшат, спасибо! Я немного поправила статью, добавила в неё несколько необычных фактов о художницах. Да, это скорее мой личный рейтинг. Хотя я бы добавила ещё Серебрякову и Берту Моризо. Но у меня есть отдельные статьи, посвящённые им. Также я старалась охватить разные эпохи и разные стили: барокко (Артемизия Джентилески), реализм малых голландцев (Петерс), рококо (Виже-Лебрен), импрессионизм (Кассат), модернизм (Гончарова и О’Кифф) и сюрреализм (Фрида Кало)

  2. Альбина

    Спасибо!

    1. Оксана Копенкина (автор)

      Альбина, пожалуйста!

Добавить комментарий

Дневник живописи