Музей д’Орсе в Париже. 7 картин постимпрессионистов, которые стоит увидеть

Музей д’Орсе славится своими шедеврами импрессионистов. О самых интересных из них я рассказала в статье «Прогулка по музею д’Орсе».

Однако не менее значительны работы постимпрессионистов. Без них не было бы искусства 20 века. Именно они «навели мосты» от академизма и рафинированного реализма к новым стилям и направлениям. Ван Гог проложил путь к экспрессионизму. Сезанн — к абстракционизму и кубизму. Гоген — к символизму.

Помимо этих ключевых постимпрессионистов я решила сюда же причислить неоимпрессионистов (Сера и Синьяк), а также Тулуз-Лотрека с Анри Руссо. Они тоже наводили мосты между старым и новым искусством. Между устоявшимися канонами и новым мировоззрением.

1. Винсент Ван гог. Церковь в Овере

Ван Гог церковь в Овере

Винсент Ван Гог. Церковь в Овере. 1890 г. Музей д’Орсе, Париж

Ван Гог прибыл в Овер в мае 1890 году. В июле этого же года он выстрелил себе в грудь. За эти два месяца он написал 70 картин. По одной картине в день. В том числе «Церковь в Овере». Феноменальная работоспособность. Невероятная красочность картины. Учитывая, что её создатель задумывал самоубийство.

Ван Гог не ставил себе задачи передать реалистичные очертания здания. Он хотел вызывать эмоции. Отсюда — яркие цвета, густые мазки, искажение линий. Церковь больше похожа на сказочный замок. Освещение тоже не реалистичное. Небо кажется ночным. На самом деле изображен день. Судя по лужайке и дорожкам, залитым солнцем.

Именно на почве, возделанной Ван Гогом, потом и родится экспрессионизм в 20 веке. Как можно дальше от реализма. Как можно ближе к внутренним переживаниям и эмоциям. Обратите внимания, как эта работа откликается в шедеврах Мунка и Кокошки.

Слева: Эдвард Мунк. Крик. 1910 г. Национальная галерея Осло, Норвегия. Справа: Эрнест Кокошка. Невеста ветра. 1914 г. Художественный музей Базеля, Швейцария

2. Поль Сезанн. Игроки в карты

Поль Сезанн игроки в карты

Поль Сезанн. Игроки в карты. 1890-1895 гг. Музей д’Орсе, Париж

Сезанну позировали сельские жители. Это редкий случай, когда моделями были не члены семьи художника. Ведь он работал очень медленно. 1-2 года над одной картиной.

Возможно, Сезанн неспроста выбрал сюжет с картами. Во время карточной игры люди сидят достаточно долго в одной позе. К тому же крестьяне умели терпеливо позировать.

За 5 лет Сезанн создал 5 картин с игроками в карты. Та, что в музее д’Орсе — одна из самых известных.

Поль Сезанн. Игроки в карты. 1890-1895 гг. Слева: Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Справа:  Институт искусства Корто, Лондон

Как всегда, поражает цветовая гамма Сезанна. Пиджак игрока слева не просто коричневый. Он соткан из зелёных, фиолетовых, бежевых мазков. А шляпа игрока справа — из белых, желтых, красных и голубых.

Сезанн тоже не гнался за реалистичностью. Фигуры мужчин сильно вытянуты. Стол перекошен. Правая его ножка и вовсе частично не прорисована. Как будто художник вёл кисточкой по холсту, и краска закончилась. Почему именно так он нарисовал стол, сложно понять. Это как обьяснить какую-нибудь мелодию.

Творчество Сезанна вдохновляло абстракционистов. Пикассо, Кандинского. В чьих работах вы тем более не сможете понять все до конца.

3. Анри Тулуз-Лотрек. Женщина в перчатках.

Тулуз-лотрек портрет

Анри Тулуз-Лотрек. Женщина в перчатках (Портрет Онорины Плетцер). 1890 г. Музей д’Орсе, Париж

«Женщина в перчатках» не совсем типична для Тулуз-Лотрека. В основном он писал танцовщиц и проституток. В кабаре. В публичном доме.

Тулуз-Лотрек стремился выразить в рисунке психологический портрет изображённого. Никогда не приукрашивал своих моделей. Наоборот, показывал их с самой неприглядной стороны.

Здесь же ситуация иная. Аристократка позирует художнику на открытом воздухе. Видимо, она была настолько красива внешне и благородна внутренне, что мастер не стал искажать её облик.

Это, пожалуй, самая приятная модель Тулуз-Лотрека. Вот вам для сравнения портреты других женщин. Вполне себе милых в реальной жизни. Их внешний облик Тулуз-Лотрек несколько исказил, дабы подчеркнуть их характер и темперамент. Смешливая и ироничная певица Иветт Гилберт. Замкнутая и утонченная танцовщица кабаре Джейн Авриль.

Рисунки Тулуз-Лотрека. Слева: Иветт Гилберт у занавеса. 1892 г. Музей Тулуз-Лотрека в Альби. Справа: Джейн Авриль танцует. 1892 г. Музей д’Орсе, Париж.

Тулуз-Лотрек был одним из самых ярких законодателей плакатной живописи. Минимализм. Резкость и скупость линий. Яркие цвета. Он внёс значительную лепту в развитие современного искусства.

Выставка литографий Тулуз-Лотрека проходит в Радищевском музее в Саратове (до 1 декабря 2016 г.).

4. Жорж Сера. Цирк

Жорж Сера цирк

Жорж Сера. Цирк. 1890 г. Музей д’Орсе, Париж

Картина «Цирк» очень необычна. Ведь она написана с помощью точек. К тому же Сера использовал всего 3 основных цвета и нескольких дополнительных цветов.

Дело в том, что Сера решил привнести в живопись науку. Он опирался на теорию оптического смешения. Которая гласит, что размещенные рядом чистые цвета смешиваются уже в глазу зрителя. То есть их не нужно смешивать на палитре. Такой способ живописи называется пуантилизм (от фр. слова «пуант» — «точка»).

Обратите внимания, что люди на картине «Цирк» скорее похожи на кукол. Это не из-за того, что они изображены с помощью точек. Сера сознательно упрощал лица и фигуры. Чтобы создать вневременные образы. Как это делали египтяне, изображая человека очень схематично. Когда нужно было, Сера мог нарисовать человека вполне «живого». Даже точками.

Сера умер в 32 года от дифтерии. Неожиданно. Он так и не успел завершить свой «Цирк».

Пуантилизм, который изобрел Сера, просуществовал недолго. Зато этот метод лег в основу телевизионной передачи изображения. Ведь именно разноцветные точки, пиксели, и составляют картинку не только телевизора, но и любого нашего гаджета. Заглядывая в телефон, я невольно вспоминаю именно Жоржа Сера.

5. Поль Синьяк. Красный буй.

Поль Синьяк красный буй

Поль Синьяк. Красный буй. 1895 г. Музей д’Орсе, Париж

Поль Синьяк был другом и верным последователем Жоржа Сера. Правда он предпочитал точки покрупнее, скорее короткие мазки. Но так же, как и Сера пользовался чистыми цветами.

«Красный буй» — одна из лучших работ Синьяка. Точки как нельзя лучше подходят для изображения водной ряби. Чтобы подчеркнуть зыбкость водной поверхности, Синьяк изображает дома, яхты и небо не точками, а мазками.

Сейчас в стиле пуантилизма художники работают крайне редко. Однако это направление привело к появлению нового витка в развитии живописи — фовизму. Основные черты которого — упрощенная форма, ритмичный мазок, яркие цвета.

Обратите внимание, насколько Поль Синьяк «виден» в работе фовиста Андре Дерена.

Андре Дерен просушка парусов

Андре Дерен. Просушка парусов. 1905 г. Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв. (ГМИИ им. А.С. Пушкина), г. Москва

6. Поль Гоген. Белая лошадь.

Поль Гоген белая лошадь

Поль Гоген. Белая лошадь. 1898 г. Музей д’Орсе, Париж

Гоген последние годы жизни провёл на Полинезийских островах. Будучи сам наполовину перуанцем, он однажды решил убежать от цивилизации. Как ему казалось, в рай. Рай обернулся нищетой и одиночеством. Однако именно здесь он создал свои самые известные полотна. В том числе «Белую лошадь».

Лошадь пьёт из ручья. На заднем плане — двое нагих таитянина едут верхом. Без седел и поводьев. Экзотические растения. Гоген, так же, как и Ван Гог не боялся экспериментировать с цветом. Его ручей с оранжевыми переливами. Лошадь зеленоватого оттенка от падающей на неё тени листвы.

Такая «варварская» раскраска не пользовалась спросом. Гоген был очень беден. Однажды один из его кредиторов, владелец местных аптек, пожелал поддержать художника. И попросил продать ему картину. Но с условием, что это будет незамысловатый сюжет.

Гоген принёс «Белую лошадь». Он считал её простой и понятной. Хотя, к слову, одинокое животное у таитян означает душу. А белый цвет и вовсе ассоциировался со смертью. Но возможно, заказчик картины этой местной символики не знал.

Картину он не принял по другой причине. Лошадь была слишком зеленой. Он же предпочёл бы видеть белую лошадь. Чтобы это соответствовало названию. Знал бы тот аптекарь, что сейчас за эту Зеленую, вернее Белую лошадь отдали бы несколько сот миллионов долларов!

О художнике читайте также в статье «Поль Гоген. Гений, не дождавшийся славы».

7. Анри Руссо. Заклинательница змей

Анри Руссо заклинательница змей

Анри Руссо. Заклинательница змей. 1907 г. Музей д’Орсе, Париж

«Заклинательница змей» завораживает зрителя. Своей декоративностью. Магичностью. Самое интересное, что Анри Руссо никогда не выезжал за пределы Франции. Экзотичные растения и животные он наблюдал и копировал в зоопарке и ботаническом саду Парижа.

Все считали его чудаком. Ведь он нигде не учился живописи. При этом очень хотел, чтобы его считали настоящим художником. Другие художники над ним частенько посмеивались. Никто не верил, что его картины однажды воспримут всерьёз. А уж тем более никто и представить не мог, что Руссо назовут отцом целого направления в живописи. Примитивизма.

Только сам Руссо верил, что однажды так наивно и примитивно будут писать все. В том числе и Пикассо. И Матисс. А пока они стоят перед его картиной «Заклинательница змей». Молодые, амбициозные. И лишь смехом заливаются.

Кстати, сколько змей вы видите? Они не сразу все бросаются на глаза.

Читайте также о картине мастера в статье «Спящая цыганка Руссо».

***

Представленные художники — очень разные. Объедняет их одно. Они бросили вызов сложившимся канонам в живописи. Они посмели отойти от реализма. Так же, как и импрессионистов, их не любили современники. Так уж сложилось, что передовое, переломное шло вразрез со вкусами публики. Публика оценила их позже. Недаром их работы — одни из самых дорогих в мире.

Кстати, не менее значительная коллекция постимпрессионистов хранится в Москве, в Галерее искусства Европы и Америки 19-20 вв. (Отдельное здание Пушкинского музея).

Автор: Оксана Копёнкина

Добавить комментарий